• Anuvada

THE "A" SPOTLIGHT: Charlotte J Ward

Updated: Apr 2, 2021

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Born (1992) in Lyon, Charlotte J Ward is a multi-disciplinary artist working with photography, movement and writing. Coming from a predominantly documentary and portrait photography background, she now specialises in self-portraiture, as a way to explore the human body within the EARTH BODY; a term which has become the title of her ongoing research, encompassing her photography and movement explorations.

Anuvada: You mention that you are “from a British mother and a French father, I grew up between both countries, languages, and cultures; somehow resulting in a sense of not really belonging anywhere”. You mention that you consider yourself a nomad; do you think that this kind of thought makes you become a nomad?

Charlotte J Ward: Maybe it does! When I use the word “nomad” here, I mean to give a sense of the amount of movement that has always been a part of my life. I would travel between cities from the age of 6, when my parents divorced, so that I could spend time with them both. My mother moved houses many times, which meant I changed schools almost every year, and I feel this act of moving has ingrained itself in my way of living. The longest I stayed still in the past ten years was when I lived in London, between 2011 and 2014, to complete my photography BA (Hons) at the London College of Communication; and even then, I changed flats and neighbourhoods every year. Since then, I’ve spent a lot of time moving around India, Brazil, France, Germany and England, without really being based anywhere. I just can’t seem to stop moving! Having said that, the recent lockdowns have definitely been a way for me to settle down for a bit, which has been very enjoyable.

A: We live in a world where it seems that everyone must follow the same pattern of studying and keeping the same job until retirement. It seems more and more young people are stuck and belong nowhere. How has photography helped you? Is it difficult to become a nomad? (forgetting about Covid19)

CJW: I feel like this pattern you describe is increasingly disappearing from western society. At least in my generation, I see many people studying different subjects, and simultaneously working different jobs, which in my opinion results in a sense of freedom and flexibility rather than a feeling of being stuck. In my case, I could definitely say that photography has been a source of support in facilitating a ‘nomadic lifestyle’. It was the main reason I left London as soon as I graduated in 2014. I travelled around India and Sri Lanka for seven months, with a strong thirst to discover and record the world around me. In my way of seeing things, I find it much harder to live a sedentary life, and I know that this curiosity for the world around me, paired with my passion for photography have a lot to do with that.

A: One of the things I hate the most on Instagram is to see how pictures are embellished. Your pictures look really natural and that´s why we were impressed. How do you choose your best pictures if most of them are not edited?

CJW: Editing has never been my forte, neither has the technical side of photography to be honest. The main thing which attracted me towards this form of expression is the ever changing and fascinating beauty of natural light; and that is the kind of light I work with. I always say that I am more interested in photographing the light than the subject, and that if the light isn’t interesting then there’s no point in releasing the shutter! (most of the time). So when it comes to selecting which images I share, I’d say that’s one of the main factors.

A: Traveling and living in places like Brazil, Perú, India, and many more but living in Europe. How would you describe your experiences and cultural differences?

CJW: I find them deeply nourishing and enriching! I absolutely love being in new places, discovering other ways of living, of speaking, ways of cooking, dancing, praying etc.. It fills me with so much joy and inspiration to be around new people and cultures. I feel so curious about the world and its thousands of ways of expressing itself through the vast myriad of cultures human beings have created over the years. And I feel the contrast between cultures and countries is sometimes the most interesting thing, to observe and to learn from those differences.

A: Your documentary series about Nagaland (the most linguistically diverse state in India with 14 languages and 17 dialects with ‘Konyak’ being the most widely spoken language) is my favourite. I can imagine it must’ve been difficult to communicate with them, how would you describe the personality of these people?

CJW: My time in Nagaland was very short, as I spent about a week there. The initial motive of my visit was the annual Hornbill festival, known as “the festival of festivals” - a beautiful celebration of Nagaland’s indigenous tribes and their culture. Someone had told me about this festival during an art residency I took part in in Himachal Pradesh a couple weeks beforehand, and I was curious to discover this intriguing and far away land; known as one of the ‘Seven Sisters’ states of North-East India. As you mentioned, the multi-linguistic aspect of Nagaland is very strong, with English being much less present than in other Indian states. But I find there is always a way to communicate, even when the language barrier is strong; and I find that those “lost in translation” exchanges are sometimes the most interesting and enriching ones.

Again, I don’t feel I spent enough time there to answer this question fully, but based on the few days I spent there, I would say that Naga people are at once rough like the mountainous terrain they inhabit, and warm like the many fires they make. I was very well welcomed and looked after throughout my stay there.

A: Over the past few years, you seemed to have switched from documentary photography to self-portraiture. Can you tell us a little more about this? And how long you have been taking self-portraits for?

CJW: Documentary photography is my first love, which I feel I inherited, in a way, from my maternal grandfather, Michael Ward. A very talented documentary and portrait photographer who worked for many years as a reporter for the Sunday Times. He was my biggest inspiration as a child, and one of the reasons I felt attracted to this medium. Another reason, was of course this deep curiosity I have for the world around me, and documentary photography seemed to be the perfect way to simply record all of it.

The shift away from this style happened last year, when I was living in Brazil. At the time I was very much involved in the indigenous plant medicine ceremony world, and I feel this deeply intimate and very regular proximity with these plants geared my gaze away from people and towards the world of plants.

It’s at the same time that I “freed myself” from the restraints of shooting strictly analogue, towards experimentations with a digital camera. I think what I like most about shooting in this way that it allows me to see what I am creating in the moment of creation, just like a painter, or a potter. After many years using only analogue cameras, it felt amazing to gain this instant feedback. I compare my travels around Brazil to those I did in India, when all I had was my Mamiya 6 camera and lots of rolls. I shot and shot, and shot, without never seeing what I was producing until I went home seven months later. I could’ve had my rolls developed when going through big Indian cities (which was relatively rare), but I guess I enjoyed this sense of not knowing, at the time - the surprise at the end. And I still do when I do shoot film! But I must say that it is very helpful to have this instant feedback when shooting self-portraits.

Coming back to the world of plants, I feel like they were a transition towards self-portraiture. Plant medicines brought me face to face with deeper aspects of my being in very intense, and mostly, very beautiful way. Sadly my time in this realm was also very destructive, because of the nature of my romantic relationship at the time. Even though my ex-partner is a shaman and plant medicine healer who widened my horizons in many ways, ironically, I never felt so lost, confused and depressed as during this period of my life. I realised later on that I’d been dealing with narcissistic abuse, and it’s the break away from this relationship that led me towards further self-discovery. And what better way for a photographer to do this than through the practice of self-portraiture? The first self-portraiture series I shot, ‘BLOOM’, is an expression of this journey home to myself.

A: Let´s move on to your ‘EARTH BODY’ project. A lot of your self-portraits are in B&W. The self-portraits in ‘BLOOM’ gave me a feeling of sadness which changed completely towards the end of the series when your self-portraits start to become colour photographs. At what stage do you decide to shoot in Black&White or in colour? Does it happen when you’re shooting or in post-editing once you’ve seen the images? What is it that you are trying to express? Will we see any B&W documentary work in the future?

CJW: Shooting in B&W is very new for me. I remember doing it many years ago using film, but since then I’ve mostly shot in colour. However I must say I’m really appreciating the contrast and depth it brings to mix the two in one series.

The choice between whether an image will be colour or B&W always comes in the moment of shooting. I’d say it’s more of a feeling rather than a thought process. It’s really interesting to read that the self-portraits in ‘BLOOM’ made you feel this way, because this is what my soul was expressing through this creative process – a growth out of sadness, grief, and sorrow, into the blooming of a new life cycle. So again shooting in B&W wasn’t planned, but in retrospect, it turns out to have worked well to express what it is I was going through in my life at the time.

And I don’t think I’ve ever shot documentary work in B&W, but who knows, maybe if I start shooting in this style of photography again, it’ll be something to experiment with.

A: In ‘BLOOM’ you wrote a very beautiful poem, is writing something that you would like to make professionally? What about other projects apart from photography? Would you like to create something different?

CJW: Thank you! That poem is the longest I’ve ever written I think… it came through me at a time where I was in the depths of grief and sorrow. I keep saying that the most beautiful gift I received from this healing journey is all the creative inspiration and expression that it has gifted me along the way, and for that I am so grateful.

The correlation between photography and writing is something I’ve been interested in for a while now. I used to have a regular practice of writing Haikus (traditional Japanese short poems), which I would often pair with my photographs. More recently I have been writing short sentences or paragraphs to accompany some of the self-portraits I have been shooting for my ongoing ‘THIS EARTH BODY IS MY HOME’ series.

I have been working as a translator from French into English (and vice versa) for many years; and who knows, I might start writing some of my own words professionally too one day. Never say never.

Aside from photography and writing, I have recently completed a Yoga and Somatics teacher training, and I am just starting to teach. The style of Yoga I have been learning seeks to strengthen our connection to nature through movement. I am currently weaving this practice as part of my ‘EARTH BODY’ project, which looks to bring people closer to nature through photography and embodied explorations. Eventually, I would like to merge these two practices to create healing spaces for people to experience themselves in their rawest form and within nature. This is just a seed for now, but stay tuned for more to come soon.

A: The last body of work I’d like to ask you about is ‘MOON BLOOD’. Could you tell me about the photographic process for this series? How long did it take you to create something so unique?

CJW: This work came to me after reading probably my most favourite book of 2020, ‘Wild Power’ by Alexandra Pope and Sjanie Hugo Wurlitzer, which is about the wonders of the Menstrual Cycle and how to navigate it so that womxn may connect with it and reveal their innate and sacred powers. One of the practices they share in this book, is the process of charting one’s menstrual cycle daily, in order to get a better understanding of the ebbs and flows one might go through each month. It is from this practice that came my inspiration to create the ‘Visual Menstrual Cycle Diaries’. I produced the first one of this series between April and May 2020. The process of creation lasts as long as my menstrual cycle, which at the time was 25 days. Each day, I would sit inside my little make-shift photography studio, and tune into how I was feeling that day, with the intention to embody and photograph my states, moods and emotions.

A: A new series entitled ‘MUDRA’ is coming soon, could you tell us a bit of what is in and when it will be available?

CJW: This series is still at its early stages of development, but I’m thinking of starting to release the first images next month.

My interest in Mudras recently deepened during a yoga immersion I took part in online. Our teacher introduced us to a practice which connects you to the elements through movement, mantra and mudra. By that time I was already very involved into my self-portraiture practice, and I was beginning a study of body close-ups. I was, and still am interested in studying various parts of the body in more detail, and the mudras set me on this journey of exploration. Since then, I have developed a fascination for hands, and have continued to photograph my own in different ways, beyond the Mudra series.

I am partly based in the Dordogne region of south-west France, which is known as ‘the cradle of humanity’ for its many prehistoric caves and sites. Some of which have depictions of human hands within them, dating as far back as 30,000 years. It is the most deeply moving experience to find oneself face to face with those first forms of human expression, and I am increasingly fascinated with these first ways of representing oneself. To me, these prehistoric hand paintings are like the first self-portrait in a way. Of course none of us really know the reason behind these demonstrations, but I can’t help but feel that it might have been a way for the humans who created them to affirm their place in the web of life; a way for them to say “this is me and I am here”. And in a similar way, it is this same desire which set me on a path of exploration through self-portraiture.

A: · What piece of advice would you give someone who is starting out with photography?

CJW: Of course the answer to this question will depend on the style of photography, but in the way I see it, the best thing I would advise to someone starting out with photography, is to follow your heart. Allow yourself to be a channel for whatever wishes to express itself through you, in its rawest and most honest form. Stay true to yourself and your creative expression, regardless of what people may think or say.

A: The pandemic placed many projects on hold, but it also helped to think about new ones. Where do you see yourself when all is over?

CJW: I feel that if there is one thing this pandemic has taught us all, it is to surrender into the present moment. I haven’t really made any plans into the future for a long time now, and to be very honest, I have no clue where I’ll be or what I’ll be up to once this phase is over. All I know is I’ll likely be naked, somewhere in nature with my camera and my tripod.

You can see more of Charlotte’s work here:



Upcoming exhibition: Corona Culture ‘What the Fuck is Happening?’, Berlin, sometime in early 2021 when lockdown / visit www.corona-culture.org for further info.


THE "A" SPOTLIGHT: Charlotte J Ward

Nacida (1992) en Lyon, Charlotte J. Ward es una artista multidisciplinaria que trabaja con la fotografía, el movimiento y la escritura. Proveniente de una formación predominantemente documental y de retratos, ahora se especializa en el autorretrato, como una forma de explorar el cuerpo humano dentro del "EARTH BODY"; un término que se ha convertido en el título de su investigación en curso, que abarca sus exploraciones de la fotografía y el movimiento.

Anuvada: Dijiste: "de madre británica y padre francés, crecí entre ambos países, idiomas y culturas; de alguna manera resultando en un sentido de no pertenecer realmente a ningún lugar". Mencionas que te consideras una nómada; ¿crees que este tipo de pensamiento te hace convertirte en una nómada?

Charlotte J. Ward: ¡Quizás lo hace! Cuando usé la palabra "nómada", quise dar una idea de la cantidad de movimiento que siempre ha sido parte de mi vida. Viajaba entre ciudades desde los 6 años, cuando mis padres se divorciaron, para poder pasar tiempo con ambos. Mi madre se mudó de casa muchas veces, lo que significó que cambié de escuela casi todos los años, y siento que este acto de mudanza se ha arraigado en mi forma de vida. Donde más tiempo he permanecido quieta en los últimos diez años fue cuando viví en Londres, entre 2011 y 2014, para completar mi licenciatura en fotografía (con honores) en el London College of Communication; e incluso entonces, cambié de piso y de barrio cada año. Desde entonces, he pasado mucho tiempo moviéndome por la India, Brasil, Francia, Alemania e Inglaterra, sin estar realmente establecida en ningún sitio. ¡Parece que no puedo dejar de moverme! Dicho esto, los recientes cierres han sido definitivamente una forma de asentarme un poco, lo cual ha sido muy agradable.

A: Vivimos en un mundo en el que parece que todos deben seguir el mismo patrón de estudiar y mantener el mismo trabajo hasta la jubilación. Parece que cada vez más jóvenes están atascados y no pertenecen a ninguna parte. ¿Cómo te ha ayudado la fotografía? ¿Es difícil convertirse en nómada? (olvidando el Covid-19)

CJW: Siento que este patrón que describes está desapareciendo cada vez más de la sociedad occidental. Al menos en mi generación, veo a mucha gente estudiando diferentes materias, y trabajando simultáneamente en diferentes trabajos, lo que en mi opinión resulta en una sensación de libertad y flexibilidad más que en una sensación de estar estancado. En mi caso, podría decir definitivamente que la fotografía ha sido una fuente de apoyo para facilitar un "estilo de vida nómada". Fue la principal razón por la que dejé Londres tan pronto como me gradué en 2014. Viajé por la India y Sri Lanka durante siete meses, con una fuerte sed de descubrir y registrar el mundo que me rodeaba. En mi forma de ver las cosas, me resulta mucho más difícil llevar una vida sedentaria, y sé que esta curiosidad por el mundo que me rodea, unida a mi pasión por la fotografía, tiene mucho que ver con ello.

A: Una de las cosas que más odio de Instagram es ver cómo se adornan y editan las fotos. Tus fotos se ven muy naturales y por eso nos impresionó. ¿Cómo eliges tus mejores fotos si la mayoría de ellas no están editadas?

CJW: Editar nunca ha sido mi fuerte, ni tampoco el lado técnico de la fotografía para ser honesto. Lo principal que me atrajo hacia esta forma de expresión es la siempre cambiante y fascinante belleza de la luz natural; y ese es el tipo de luz con el que trabajo. Siempre digo que estoy más interesada en fotografiar la luz que al sujeto, y que si la luz no es interesante entonces no tiene sentido usar el obturador (la mayoría de las veces). Así que cuando se trata de seleccionar las imágenes que comparto, diría que es uno de los factores principales.

A: Viajar y vivir en lugares como Brasil, Perú, India, y muchos más, pero vives en Europa. ¿Cómo describirías tus experiencias y diferencias culturales?

CJW: ¡Las encuentro profundamente nutritivas y enriquecedoras! Me encanta estar en nuevos lugares, descubrir otras formas de vivir, de hablar, de cocinar, de bailar, de rezar, etc. Me llena de tanta alegría e inspiración estar alrededor de nuevas personas y culturas. Siento tanta curiosidad por el mundo y sus miles de formas de expresarse a través de la gran cantidad de culturas que los seres humanos han creado a lo largo de los años. Y siento que el contraste entre culturas y países es a veces lo más interesante, observar y aprender de esas diferencias.

A: Tu serie documental sobre Nagaland (el estado de mayor diversidad lingüística de la India, con 14 lenguas y 17 dialectos, siendo el "Konyak" la lengua más hablada) es mi favorita. Me imagino que debe haber sido difícil comunicarse con ellos, ¿cómo describirias la personalidad de estas personas?

CJW: Mi tiempo en Nagaland fue muy corto, ya que pasé una semana allí. El motivo inicial de mi visita fue el festival anual de Hornbill, conocido como "el festival de los festivales" - una hermosa celebración de las tribus indígenas de Nagaland y su cultura. Alguien me había hablado de este festival durante una residencia artística en la que participé en Himachal Pradesh un par de semanas antes, y tenía curiosidad por descubrir esta intrigante y lejana tierra; conocida como uno de los estados "Siete Hermanas" del noreste de la India. Como mencionó, el aspecto multilingüe de Nagaland es muy fuerte, con el inglés mucho menos presente que en otros estados de la India. Pero encuentro que siempre hay una forma de comunicarse, incluso cuando la barrera del lenguaje es fuerte; y encuentro que esos intercambios "perdidos en la traducción" son a veces los más interesantes y enriquecedores.

Una vez más, no creo que haya pasado suficiente tiempo allí para responder plenamente a esta pregunta, pero basándome en los pocos días que pasé allí, diría que el pueblo naga es a la vez áspero como el terreno montañoso que habitan, y cálido como los muchos fuegos que hacen. Fui muy bien recibida y cuidada durante mi estancia allí.

A: En los últimos años, parece que has pasado de la fotografía documental al autorretrato. ¿Puede decirnos un poco más sobre esto? ¿Y por cuánto tiempo has estado tomando autorretratos?

CJW: La fotografía documental es mi primer amor, que siento que heredé, en cierto modo, de mi abuelo materno, Michael Ward. Un talentoso fotógrafo de documentales y retratos que trabajó durante muchos años como reportero del Sunday Times. Fue mi mayor inspiración de niña, y una de las razones por las que me sentí atraído por este medio. Otra razón, fue por supuesto esta profunda curiosidad que tengo por el mundo que me rodea, y la fotografía documental parecía ser la manera perfecta de simplemente registrarlo todo.

El alejamiento de este estilo ocurrió el año pasado, cuando vivía en Brasil. En ese momento estaba muy involucrada en el mundo de la ceremonia de la medicina de las plantas indígenas, y siento que esta proximidad profundamente íntima y muy regular con estas plantas orientó mi mirada lejos de la gente y hacia el mundo de las plantas.

Es al mismo tiempo cuando me "liberé" de las restricciones de la fotografía estrictamente analógica, hacia experimentos con una cámara digital. Creo que lo que más me gusta de fotografiar es que me permite ver lo que estoy creando en el momento de la creación, al igual que un pintor, o un alfarero. Después de muchos años usando sólo cámaras analógicas, se sintió increíble obtener esta retroalimentación instantánea. Comparo mis viajes por Brasil con los que hice en la India, cuando todo lo que tenía era mi cámara Mamiya 6 y muchos rollos. Fotografié y fotografié, sin ver nunca lo que estaba produciendo hasta que me fui a casa siete meses después. Pude haber hecho revelar mis rollos cuando pasé por las grandes ciudades indias (lo cual era relativamente raro), pero supongo que disfruté de esta sensación de no saber, en ese momento - la sorpresa al final. ¡Y todavía lo hago cuando filmo! Pero debo decir que es muy útil tener esta retroalimentación instantánea cuando se fotografian autorretratos.

Volviendo al mundo de las plantas, siento que fueron una transición hacia el autorretrato. Las plantas medicinales me pusieron cara a cara con aspectos más profundos de mi ser de una manera muy intensa, y sobre todo, muy hermosa. Lamentablemente mi tiempo en este reino también fue muy destructivo, debido a la naturaleza de mi relación romántica en ese momento. Aunque mi ex-compañero es un chamán y curandero de plantas que amplió mis horizontes de muchas maneras, irónicamente, nunca me sentí tan perdido, confundido y deprimido como durante este período de mi vida. Más tarde me di cuenta de que había estado lidiando con el abuso narcisista, y es la ruptura de esta relación lo que me llevó a un mayor auto-descubrimiento. ¿Y qué mejor manera para un fotógrafo de hacer esto que a través de la práctica del autorretrato? La primera serie de autorretratos que hice, "BLOOM", es una expresión de este viaje a casa, a mí mismo.

A: Continuemos con tu proyecto ‘EARTH BODY’. Muchos de tus autorretratos están en blanco y negro. Los autorretratos en "BLOOM" me dieron un sentimiento de tristeza que cambió completamente hacia el final de la serie cuando tus autorretratos empiezan a convertirse en fotografías en color. ¿En qué momento decides fotografiar en blanco y negro o en color? ¿Ocurre cuando estás filmando o en la postedición una vez que has visto las imágenes? ¿Qué es lo que intentas expresar? ¿Veremos algún trabajo documental en blanco y negro en el futuro?

CJW: Fotografiar en blanco y negro es muy nuevo para mí. Recuerdo que lo hice hace muchos años con carrete, pero desde entonces he rodado principalmente en color. Sin embargo, debo decir que aprecio mucho el contraste y la profundidad que aporta el mezclar los dos en una serie.

La elección entre una imagen en color o en blanco y negro siempre se hace en el momento del rodaje. Diría que es más un sentimiento que un proceso de pensamiento. Es muy interesante leer que los autorretratos de "BLOOM" te hicieron sentir así, porque esto es lo que mi alma estaba expresando a través de este proceso creativo - un crecimiento a partir de la tristeza, el dolor y la pena, hacia el florecimiento de un nuevo ciclo de vida. Así que otra vez, el rodaje en B&N no estaba planeado, pero en retrospectiva, resulta que funcionó bien para expresar lo que estaba pasando en mi vida en ese momento.

Y no creo que haya hecho nunca un trabajo documental en blanco y negro, pero quién sabe, tal vez si empiezo a fotografiar en este estilo de nuevo, será algo con lo que experimentar.

A: En 'BLOOM' escribiste un poema muy bonito, ¿escribir es algo que te gustaría hacer profesionalmente? ¿Qué hay de otros proyectos aparte de la fotografía? ¿Te gustaría crear algo diferente?

CJW: ¡Gracias! Ese poema es el más largo que he escrito, creo... pasó a través de mí en un momento en el que estaba en las profundidades de la pena y el dolor. Sigo diciendo que el regalo más hermoso que recibí de este viaje de curación es toda la inspiración creativa y la expresión que me ha regalado a lo largo del camino, y por eso estoy tan agradecida.

La correlación entre la fotografía y la escritura es algo que me interesa desde hace tiempo. Solía tener una práctica regular de escribir Haikus (poemas cortos japoneses tradicionales), que a menudo emparejaba con mis fotografías. Más recientemente he estado escribiendo frases cortas o párrafos para acompañar algunos de los autorretratos que he estado fotografiando para mi serie en curso "THIS EARTH BODY IS MY HOME’.

He estado trabajando como traductora del francés al inglés (y viceversa) durante muchos años; y quién sabe, puede que algún día empiece a escribir algunas de mis propias palabras profesionalmente también. Nunca digas nunca.

Aparte de la fotografía y la escritura, he completado recientemente una formación para ser profesora de Yoga y Somatica, y estoy empezando a enseñar. El estilo de Yoga que he estado aprendiendo busca fortalecer nuestra conexión con la naturaleza a través del movimiento. Actualmente estoy tejiendo esta práctica como parte de mi proyecto ‘EARTH BODY’, que busca acercar a la gente a la naturaleza a través de la fotografía y las exploraciones encarnadas. Eventualmente, me gustaría fusionar estas dos prácticas para crear espacios de curación para que la gente se experimente a sí misma en su forma más cruda y dentro de la naturaleza. Esto es sólo una semilla por ahora, pero manténganse atentos porque vendrán más pronto.

A: El último trabajo sobre el que me gustaría preguntarte es "MOON BLOOD". ¿Podrías hablarme sobre el proceso fotográfico de esta serie? ¿Cuánto tiempo tardaste en crear algo tan único?

CJW: Este trabajo me llegó después de leer probablemente mi libro favorito de 2020, "Poder Salvaje" de Alexandra Pope y Sjanie Hugo Wurlitzer, que trata de las maravillas del Ciclo Menstrual y cómo navegarlo para que las mujeres puedan conectarse con él y revelar sus poderes innatos y sagrados. Una de las prácticas que comparten en este libro, es el proceso de trazar el ciclo menstrual diariamente, con el fin de obtener una mejor comprensión de los flujos y reflujos que uno podría atravesar cada mes. Es a partir de esta práctica que me inspiré para crear los ‘Visual Menstrual Cycle Diaries’. Produje el primero de esta serie entre abril y mayo de 2020. El proceso de creación dura tanto como mi ciclo menstrual, que en ese momento era de 25 días. Cada día, me sentaba dentro de mi pequeño estudio fotográfico improvisado, y sintonizaba con cómo me sentía ese día, con la intención de encarnar y fotografiar mis estados, estados de ánimo y emociones.

A: Una nueva serie titulada 'MUDRA' está por llegar, ¿podría decirnos un poco de lo que hay y cuándo estará disponible?

CJW: Esta serie está todavía en sus primeras etapas de desarrollo, pero estoy pensando en empezar a publicar las primeras imágenes el próximo mes.

Mi interés en Mudras se profundizó recientemente durante una inmersión de yoga en la que participé en línea. Nuestro maestro nos introdujo en una práctica que te conecta con los elementos a través del movimiento, el mantra y el mudra. Para entonces ya estaba muy involucrada en mi práctica de autorretratos, y estaba empezando un estudio de primeros planos del cuerpo. Estaba, y todavía estoy interesada en estudiar varias partes del cuerpo con más detalle, y los mudras me pusieron en este viaje de exploración. Desde entonces, he desarrollado una fascinación por las manos, y he continuado fotografiando las mías de diferentes maneras, más allá de la serie Mudra.

Me encuentro, parcialmente, en la región de Dordogne, en el suroeste de Francia, conocida como "la cuna de la humanidad" por sus muchas cuevas y sitios prehistóricos. Algunas de las cuales tienen representaciones de manos humanas dentro de ellas, que datan de hace 30.000 años. Es la experiencia más profundamente conmovedora encontrarse cara a cara con esas primeras formas de expresión humana, y cada vez me fascinan más esas primeras formas de representarse a sí mismo. Para mí, estas pinturas a mano prehistóricas son como el primer autorretrato en cierto modo. Por supuesto, ninguno de nosotros sabe realmente la razón detrás de estas demostraciones, pero no puedo evitar sentir que podría haber sido una manera para los humanos que las crearon de afirmar su lugar en la red de la vida; una manera de decir "este soy yo y estoy aquí". Y de manera similar, es este mismo deseo el que me puso en el camino de la exploración a través del autorretrato.

A: ¿Qué consejo le darías a alguien que está empezando con la fotografía?

CJW: Por supuesto que la respuesta a esta pregunta dependerá del estilo de la fotografía, pero de la manera en que lo veo, el mejor consejo para alguien que está empezando con la fotografía, es que siga su corazón. Permítete ser un canal para cualquier deseo de expresarse a través de ti, en su forma más cruda y honesta. Mantente fiel a ti mismo y a tu expresión creativa, sin importar lo que la gente pueda pensar o decir.

A: La pandemia puso muchos proyectos en espera, pero también ayudó a pensar en otros nuevos. ¿Dónde te ves a ti misma cuando todo haya terminado?

CJW: Siento que si hay algo que esta pandemia nos ha enseñado a todos, es a rendirnos al momento presente. No he hecho planes para el futuro desde hace mucho tiempo, y para ser muy honesta, no tengo ni idea de dónde estaré o qué haré una vez que esta fase termine. Todo lo que sé es que probablemente estaré desnuda, en algún lugar de la naturaleza con mi cámara y mi trípode.

Puedes ver más del trabajo de Charlotte aquí:



Próximas exposiciones: Corona Culture ‘What the Fuck is Happening?’, Berlin,a principios del 2021 / visita www.corona-culture.org para más información.


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